このページは2018年4月7日(土)に行われた骨董講座を再現したものです。 |
第47回 古美術と社会学シリーズ⑦ 「古美術と現代美術」
(1) 古美術と現代美術の区分 |
先月、「古美術と有機農法」という奇妙な骨董講座を開きました。講座の趣旨は、手作りの物と工業製品の違いの話でした。最近の農作物の中には工場で生産される物もあります。今回の「古美術と現代美術」も、前回と同じような趣旨で進めます。
美術の領域で古美術と現代美術の区別は簡単にできますが、近代美術と現代美術の区分は意外と区分が難しい。特に現代美術が何かを定義するのが難しいのです。Wikipediaで、「近代美術と現代美術」について調べると、『一般に、時代区分の近代と現代には不変の境界が設けられることはなく、その時々の現代が時間の経過とともに近代に変化するという傾向が不可避であり、近代美術と現代美術の定義の曖昧さの大きな原因ともなっていると言える。芸術史的特徴を見ると「近代美術」の一部は教会や王侯貴族が美術の担い手だった時代の美術、「現代美術」は富裕層が美術の担い手になっている時代の美術という傾向も見出せる』とあります。ここに書かれているように、区分は「曖昧」。前述の話の後半は経済的な面から美術の区分をしているのですが、購入者側の理論で作品の定義にはならない。富裕層とは違う法人も美術品は購入します。このような状況では話が進まないので、私個人が考える近代美術と現代美術について、簡単な定義をしてみたいと思います。
① 近代美術はメディア(新聞、雑誌、テレビ)を利用せずに作品自体の質で価値が決まったが、現代美術はメディアの露出との関係で価値が決まる。これはウォーホール以前と以後として考察すると理解しやすいでしょう。SNSもメディアの一つですが、ジェフ・クーンズはメディアを利用して自分の作品の価値を高めました。現在ではユーチュバーの表現の中にも芸術的な物もあります。
② 近代美術は作家自らが直接、作品を作っていましたが、現代美術は作家がアイデアやプランを出して工場や他人に作品をシステマテックに作らせる傾向が強いと言えるでしょう。作品が大掛かりになり、作家の手に負えなくなってきた。現在、美術館で見かける現代美術の作品は大作が多く、作家の技量だけで作品は成立しません。例えば、現代美術家の村上隆氏、ファッション・デザイナーの三宅一生氏などは、アイデアだけを出し、これを自分の工房で人を使って製作させ、最後に出来をチェックして自分の作品にしています。かつて、リューベンスや狩野派などは工房で作品を制作していましたが、それと同じです。このようなシステマチックな創作過程が、現在の現代美術の主流になっています。これは設計図を書いて職人に建設を任せる建築家に似ているかもしれません。
③ 再生産ができるかどうかが、近代美術と現代美術の違い。近代美術は模倣はできますが、オリジナルは再現できません。一方、現代美術は作家のアイデアに沿って技術者や機械が創作する傾向が強いので再生産が可能です。表面的には少し違ったとしても、作家がそれを自作と認めれば本物となります。変な話ですが、作家が認めれば本物という世界が出現します。古美術の世界では谷文晁の贋作の話が有名です。『文晁は鷹揚な性格であり、弟子などに求められると自分の作品でなくとも落款を認めた。また画塾 写山楼では講義中、本物の文晁印を誰もが利用できる状況にあり、自作を文晁作品だと偽って売り、糊口をしのぐ弟子が相当数いた。購入した者から苦情を受けても「自分の落款があるのだから本物でしょう」と、意に介さなかったという。これらのことから当時から夥しい数の偽物が市中に出回った(Wikipedia)』 |
(2) 陶磁器の世界の個性、無個性
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この話を古美術、陶磁器の世界に当てはめて考えてみましょう。陶磁器の世界では、江戸時代初期になるまで、個人的な作家は登場しません。陶磁器関係で古い順番に名前が残っている陶工を上げると、沈壽官、李敬(萩焼・坂家の祖先)、李三平で、いずれも朝鮮の陶工です。日本の近世陶芸が朝鮮人陶工の渡来から始まったことがわかります。それを織部や遠州が和風デザイン化した後、有田に酒井田柿右衛門、京都の野々村仁清、尾形乾山など、日本人陶工が出現します。桃山時代、絵画の世界には狩野永徳や長谷川等伯などの有名画家がいましたが、なぜ、陶磁器の世界では作家が出てこなかったのか。それは、日本人が平面好きな民族であることと関係します。これは先月の骨董講座でお話しました。朝鮮と日本の陶工の違いは陶磁器に華麗な絵付けをするかどうかです。薩摩焼の沈壽官は時代を経るにつれ華麗な絵付けを行いますが、初期は無文の陶器を作っていましたた。茶道の千家は無文の茶器を頻繁に使用しますが、公家や町人などは野々村仁清など、絵付けや斬新なデザインが施された陶磁器と好みました。 |
(3) 日本各地で開催される地方の現代美術展
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日本で「現代美術館」が創設されるようになったのは1980年前後です。1979年、品川に原美術館、1981年、軽井沢にセゾン現代美術館が誕生しました。私はこの時期、多摩美術大学の学生でした。当時は現代美術を鑑賞できる専門の美術館はなく、現代美術の作品は東京都美術館や池袋パルコ内にあったセゾン美術館の企画展でしか見れませんでした。この時期、現代美術を志向する学生は少数でした。 |
(4) 現代美術と古美術の垣根を越えて
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現状に文句ばかり言っても仕方ないので、分析と対処方法をお話したいと思います。 ① ジャンルの垣根を越えて、美術品と接する。 現在、美術館や博物館の中には、「古美術と現代美術の類似性」、「浮世絵と印象派の関係」など、様式の違うジャンルを比較考察する企画があります。例えば、先日、国立西洋美術館で開催された「北斎とジャポニズム」展は、浮世絵を印象派の関係を提示した展覧会でした。また、渋谷にある松濤美術館などは「古道具、その行き先、坂田和實の40年(21012年)」など、古美術と古道具のジャンルをこえたユニークな展覧会を開催しています。このような企画の展覧会は海外では盛んですが、日本ではまだ馴染みがない。日本人は歴史観、美術観が曖昧なので、関係性を無視して単体で思考する癖の強い傾向があります。縦割りというやつです。だから広告代理店が企画した展覧会に狂ったように人が行く。単純ですね。逆に広告代理店は、そのような日本人の心理をうまく利用して企画を行っています。複雑で考えなければならない展覧会に日本人は行かない。だから、良い展覧会を企画しても会場は閑散としています。 ② 美術品と雑貨や工芸品の関係性を提示する。
先月までパリのグラン・パレで「ゴーギャン展」が行われていました。この展覧会がユニークだったのは、絵画・彫刻作品を示するだけではなく、ゴーギャンの出身地であるブルターニュ地方の木靴、彼が住んでいたタヒチの家の門、タヒチの民族衣装などが展示されていることでした。この展覧会は作品の鑑賞するだけではない、作家の生活を含めて人と作品の関係を探る展覧会となっていました。日本でも地方の美術館に行くと、個人的な作家にスポットをあてた展示がなされていますが、東京ではなかなかお目にかかれません。 ③ 歴史の連続性を根本に置き、そのうえで美術を考察する。
日本では、「天皇制・元号制」があるので、元号が変わると時代が分断されます。明治時代と昭和時代を見ると、そこに連続性はなく異なった印象を受けます。帝国主義と民主主義はどちらの時代も存在するのですが、日本人は帝国主義の時代、民主主義(自由民権運動、大正デモクラシーなどが存在した)は無かったような教育をする。だから、軍隊である自衛隊の解釈も曖昧になる。私が現代美術から古美術に興味が移った理由は、現代美術を解釈するためには古美術を解釈しなければならない、歴史は連続して考察しなければならないと思ったあらです。1980年頃、現代美術と古美術は明治と昭和のように分断されていました。 |